domingo, 29 de mayo de 2011

Yardbirds - Yardbirds [Roger the Engineer] (1966)



Pese a que habían demostrado en muchas ocasiones que eran unos monstruos imparables sobre un escenario, y que el directo era su verdadera zona de batalla, Yardbirds siempre habían dejado en sus discos de estudio algunas joyas como la clásica ''For Your Love'' o ''Heart Full Of Soul''. El precio que pagaban por ello era, normalmente, crear discos de altibajos muy pronunciados.

Puede que esa fuese parte de la magia de Yarbirds, pero cuando Jeff Beck toma el mando del grupo definitivamente tras la marcha de Eric Clapton meses antes, con tiempo por delante para componer de sobra, los singles dejan paso a un disco mucho más fuerte en conjunto pero sin prácticamente ninguna nota de color.

Muy centrado en cortes bluseros, la inspiración psicodelica se queda en ''Lost Women'' y ''Turn Into Earth'' como máximos exponentes. Beck siente el grupo más suyo que nunca y se permite lucimientos como ''Jeff's Boggie'', una pequeña instrumental donde le da tiempo a demostrar de sobras que es un virtuoso de la guitarra (y marcando un poco lo que serian sus discos en solitario), pero poco más.

No es mal disco ni mucho menos, pero se esperaba un ultimo giro en su sonido, para convertirles en los revolucionarios que deberían haber sido, y en lugar de eso se encuentran de golpe con la madurez compositiva.

El ultimo buen disco de Yardbirds como legado, ya que un tiempo después el blues de Clapton iría un paso hacia delante con Cream y un joven Jimmy Page ganaría protagonismo en la banda hasta convertirse en Led Zeppelin.

Puntuación

lunes, 23 de mayo de 2011

Bob Dylan - Blonde On Blonde (1966)



El séptimo álbum de estudio de Bob Dylan es el que cerraría el triangulo de clásicos y obras maestras que conforman los dos discos de 1965 y el que nos ocupa. Este punto seria el apogeo de su obra, alcanzando una excelencia en la composición y en las letras (cada vez más surrealistas) increíble y encadenando trabajos inmaculados uno tras otro de una manera asombrosa.

Dylan continuaba con su idea de evolucionar el folk y convertirlo en set eléctricos, así que volvió a trabajar con varios de los músicos usados en las sesiones de Highway 61 Revisited, y con una nueva incorporación, varios miembros del grupo The Hawks, que posteriormente se convertirían en The Band.

Con una duración de casi hora y veinte minutos (uno de los primeros LP dobles de la historia) estamos seguramente ante el trabajo más épico de Dylan. La evolución (o revolución) más palpable sin duda llega en el apartado musical, donde definitivamente el sonido se vuelve salvaje en canciones como ''Leopard-Skin Pill-Box Hat'' y su brutal solo de guitarra, o varios pasajes de armónica desatada esparcidos por el disco. Otro clásico seria ''Rainy Day Women #12 & 35'' y el mítico fraseo de 'Everybody must get stoned'.

Pero no solo consigue convencer mucho más que antes en el apartado rockero, también en las canciones melódicas obtiene de lejos sus mejores resultados. Con ''Visions Of Johanna'' obtiene un éxito automático con una letra cuidadisima, pero de una duración un poco excesiva probablemente, cosa que subsana perfectamente con cosas mucho más digeribles como ''I Want You''.

Y es que una vez más da la sensación de que hay muchas canciones demasiado largas, como por ejemplo la cara D, dedicada íntegramente a los 11 minutos de ''Sad Eyed Lady Of The Lowlands'' o los siete minutos de ''Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again'' que pueden llegar a parecer interminables tras la sexta o séptima estrofa. Una vez más podemos echarle la culpa al idioma, ya que aunque las historias son de lo más interesantes, no todos podemos entender el cien por cien lo que nos cuenta, perdiendo así algo de gracia.

La trilogía legendaria se termina en 1966, pero ni mucho menos empezaría a bajar la calidad en los siguientes discos, solamente no seria capaz de volver a alcanzar el nivel demostrado aquí, aunque a mediados de los 70 vuelva a rozarlo. Un disco con el único ''pero'' de la duración (para los que eso sea algo que descontar) y el handicap de ser muy importante entender lo que se escucha.

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jueves, 19 de mayo de 2011

The Byrds - Fifth Dimension (1966)

 


Tras dos discos llenos de canciones de Bob Dylan por todos lados, y con una reputación ya como banda de folk rock, The Byrds toman la decisión de dar un paso hacia delante. Esta decisión era comenzar la psicodelia tal y como la conocemos hoy en día. Otros ya habían coqueteado un poco con el sonido, pero ninguno de la manera en que The Byrds lo hace en este disco.

Gene Clark volvía a tomar el mando compositivo para el álbum, pero poco le duraría. En medio de las sesiones de grabación y debido a ciertos problemas internos de la banda, Clark se plantea abandonar The Byrds. La gota que colma el vaso es la gira que programan, llena de largos viajes, cuando era por todos sabido que Clark tenia un miedo increíble a los aviones, y decide marcharse definitivamente.

Una vez fuera, Roger McGuinn toma el mando y de que manera. Su característico sonido con la guitarra de doce cuerdas se ve envuelto en un tornado de marihuana de la que saca temas como ''5D'' o ''Mr. Spaceman''. También varios clásicos populares reciben su lavado de cara psicodelico, y asi podemos escuchar versiones de ''Wild Mountain Thyme'' o ''Hey Joe'' como nunca antes se habían escuchado.

De todos modos, si una canción define bien lo que el álbum contiene esa es ''Eight Miles High'', clásico entre los clásicos, y probablemente la mejor canción del disco, pasando a himno por derecho propio del movimiento que se estaba gestando.

The Byrds no solo daban el paso definitivo (y pionero), sino que lo hacían con una grandisima calidad y con una madurez muy grande teniendo en cuenta los trabajos anteriores. De aquí en adelante muchos les seguirían, y otros tantos les imitarían, algunos superándoles y otros quedándose por el camino, pero todos con Fifth Dimension de fondo.

Ademas su sonido característico seguía intacto, dando así doble ración a sus fans. Enorme.

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lunes, 16 de mayo de 2011

Frank Zappa - Freak Out! (1966)



El monstruoso debut de The Mothers of Invention (Frank Zappa desde ahora, ya que es imposible pensar en el grupo sin centrar la figura en él) fue pionero en muchos aspectos musicales, pero también lo fue fuera de ellos. Primer LP doble, uno de los primeros en buscar la cohesión del álbum de una manera casi conceptual, y con una actitud critica y ácida no vista hasta el momento en la música.

Se hace raro que en pleno movimiento ''Flower Power'', cuando se proclaman desde todos los escenarios del planeta actitudes como el amor libre, Frank Zappa se presente como un líder satírico que muchas veces parece buscar la simple mofa con mucho más ahínco que mostrar su indignación hacia los temas de los que se burla. Una actitud bastante punk (¿freak?) en la época, pero que al contrario que otros contemporáneos, sí que venia de la mano de un virtuosismo en el instrumento y una habilidad fuera de toda duda para la composición.

Canciones a la vieja usanza como la inicial ''Hungry Freaks, Daddy'' o la tremenda ''Any Way The Wind Blows'' muestran el lado más ''clásico'' del rock que Zappa era capaz de desarrollar. En el otro lado de la moneda se nos presentaría un Zappa experimental con el clásico ruidoso ''Who Are The Brain Police?'' o la bizarrada de ''Help, I'm a Rock''.

El eclecticismo del álbum no se queda solo en ese binomio clásico/vanguardia, sino que va desde palos como el jazz, el soul y el amago progresivo que es la cara D del disco, dedicada por completo a los 12 minutos de ''The Return Of The Son Of Monster Magnet''.

Es difícil separar al personaje de la persona, y a veces es muy normal sentirse perdido entre la telaraña de ideas por minuto que es capaz de desarrollar. Hay momentos de verdadera locura, y para mi el intento de abarcar tantas ideas en tan poco espacio acaba pasandole factura al final. Todo esta lleno de buenas ideas, de momentos de inspiración tan brillantes que uno puede ver los 45 años siguientes de rock a través de sus sonidos, pero sin llegar a cuajar con la suficiente fuerza para ver el disco redondo que debería ser, cosa que sí que llega a alcanzar con algunos de sus siguientes discos.

Porque no hay que olvidar que aun estamos en 1966 y esto era un ''simple'' debut...

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sábado, 14 de mayo de 2011

The Beach Boys - Pet Sounds (1966)


Espero que esta reseña no se convierta en un montón de excusas y justificaciones sobre mi nota al álbum. Y es que estamos ante la obra magna de The Beach Boys, ante uno de los discos más importantes de la historia (¿Se puede ser de los más importantes pero no del club de los mejores?) y todo creado con un gusto exquisito. ¿Cual es el problema entonces?

Bueno, es posible que otras bandas como The Beatles hayan conseguido trascender más allá con su sonido debido a algo clave, hacer su música atemporal. Y Pet Sounds juega justo en la liga contraria. Todo el disco es un esfuerzo descomunal de los Beach Boys y especialmente de Brian Wilson, por crear sensaciones y emociones para el oyente, pero no con el oyente. No hablo de que hay que tener una especial sensibilidad para escuchar el disco, pero sí estar predispuesto a meterte en su mundo y no salir de allí en lo que dura el álbum.

Canciones como ''Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder)'' no dejan mucho a la imaginación, y tanto la letra como la música juegan a emocionarte. ¿Es una mala canción por no conseguirlo? En lineas generales no podría decirse eso, pero pensar en una obra que se ha creado expresamente para una función y que no consigue llevarla a buen puerto no me parece un éxito.

Sí que contiene temas inmediatos que no necesitan de presentación como puede ser ''Wouldn't It Be Nice'', y meter dos instrumentales de una calidad tan alta como ''Let's Go Away For Awhile'' y sobre todo la que da titulo al disco, ''Pet Sounds'', le dan cierta variedad al resto de canciones pop, la mayoría con unos toques bastante dramáticos de cuerdas.

La influencia de este disco tampoco admite mucha discusión, hoy en día se sigue tomando como referencia para muchos artistas, ademas de ser un salto de gigante en la carrera de los Beach Boys, con un cambio de registro espectacular desde el anterior trabajo.

Es un disco que hay que escuchar con mimo porque cada persona es un mundo, y mientras unos podemos disfrutar con la edulcorada ''God Only Knows'' en pequeñas dosis, otros pueden hacer de ella su bandera y llegar a obsesionarse. Mi opinión es que ver este disco como la obra maestra de los 60 que se le supone depende demasiado del receptor, y eso desde luego le hace perder valor al producto.

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lunes, 9 de mayo de 2011

The Rolling Stones - Aftermath [US] (1966)



The Rolling Stones seguían premiando al publico americano con reediciones de sus discos británicos, lanzamientos prematuros o incluyendo canciones extra. En esta ocasión vuelvo a pensar que en USA salen ganando, al igual que con el anterior disco.

Cambiar ''Paint It Black'' como canción de introducción y terminar dejándola fuera del disco parece una decisión igual de absurda que en su día fue hacerlo con ''Satisfaction'', pero ese tipo de cosas son las que nos hace ahora darnos de tortas por unas versiones u otras. Parte de la salsa de la música.

Brian Jones se seguía destapando como alma del grupo, y como un multiinsrumentalista de categoría, dandole una magia especial a todas las canciones en las que me metia mano a fondo, como el sitar en la comentada ''Paint It Black'' o el sonido de marimba en ''Under My Thumb'', la mejor canción del disco para mi, y un top diez del grupo. Y siendo estos los Stones, eso quiere decir muchísimo.

Con esta canción de fondo, y con los Hells Angels de miembros de seguridad (estas cosas solo pueden pasar en el rock) un hombre perdió la vida acuchillado en el famoso incidente de Altamont. Unido a la letra, acorde a la misoginia de finales de los 60 que esgrimían los Stones, no hacia más que aumentar su leyenda de rebeldes sin causa.

La primera cara es bastante superior a la segunda, y el bajón se puede notar claramente después de ''Think'', aunque remonta (¡Y de que manera!) con el 'jam' final de once minutos que es ''Going Home''. Una de las primeras muestras de que Mick Jagger era un torbellino imparable, capaz de comerse un escenario y un micro a la vez y aun sobrarle hueco en la boca.

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jueves, 5 de mayo de 2011

Monks - Black Monk Time (1966)



Mientras América estaba metida de lleno en la ''Invasión británica'', en otro lugar del mundo, en Europa, Estados Unidos tenia mucho miedo a otro tipo de invasión. Cinco GI's americanos pasaban las tardes en un cuartel alemán, matando el tiempo hasta que los comunistas asomaran la cabeza.

Su sonido, lejos de cualquier corriente, estaba fuera de lugar continuamente. Demasiado ruidosos para subirse al carro de mitad de los sesenta, todavía más adelantados a su tiempo que los visionarios del momento, pasándose la psicodelia por el arco del triunfo y adelantándose e influyendo decisivamente a la escena alemana posterior, el krautrock, pero sobre todo, como el grupo parecía tener reservado por el destino desde el principio, totalmente olvidados en el momento en el que debían de ser los ídolos.

Con una actitud punk bastante absurda aparecían en directo con la parte superior de la cabeza afeitada (como si fueran monjes), vistiendo sotanas negras o llevando sogas atadas al cuello. El reclutamiento voluntario de uno de los miembros en un bosque alemán, dedicándose a tocar y viviendo de limosnas, o el descubrimiento y uso del feedback gracias a desenchufar y enchufar la guitarra, en lugar de un pedal solo aumentaba su leyenda.

Asentados ya totalmente en Alemania, una vez el ejercito decide que ya no son necesarios, solo consiguen publicar un disco (y de rebote) y la propia discográfica se arrepiente cuando meses después, The Monks lleva una propuesta de gira asiática que incluye Vietnam entre los lugares a visitar.

Con letras satíricas e increíblemente ácidas e inteligentes (''boys are boys and girls are joys''), instrumentaciones primitivas y desquiciantes como en ''I Hate You'' o idas de cabeza superlativas como ''Blast Off!'', Monks eran una banda que solo podía dar a la luz una Alemania dividida, que intentaba buscar su identidad.

No le doy un 10 porque esa nota la voy a reservar para discos que rocen la perfección, pero sin duda alguna podría. Es el disco con más pelotas que he escuchado en mi vida.

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lunes, 2 de mayo de 2011

The Mamas & The Papas - If You Can Believe Your Eyes and Ears (1966)



Puede ser difícil tomarse en serio a este grupo, lo se. Desde los miembros (parejas entre ellos al más puro estilo ABBA) hasta las 'magnificas' portadas con inodoros de por medio, todo parece presagiar que estamos ante un disco digno de venderse en las más prestigiosas gasolineras del país.

Bueno, pues esto no es del todo cierto. Sí es verdad que como músicos eran más bien limitados, y que sacarles de un estudio era bastante arriesgado, pero consiguieron varias pequeñas joyas y muchas de ellas están en este álbum.

Todos conoceréis su tema más famoso, ''California Dreamin''', una barbaridad del pop psicodélico por el que habrían matado todos y cada uno de los grupos del momento. Una canción demencial, creada casi por casualidad en el estudio ante los problemas que había para grabar la toma, añadiendo los ecos y los coros a lo que iba a ser una simple canción de pop. Lo que vendría a ser la sensación que tuvo la primera persona en descubrir que el amarillo y el azul dan verde.

California Dreamin' es suficientemente grande para estarme toda la entrada hablando de ella, pero el resto del disco, en contra de lo que todo el mundo imagina la primera vez, es bastante solido. Una versión del ''Do You Wanna Dance'' de The Beach Boys mucho más tranquilo, una canción de John Lennon, ''I Call Your Name'' grabada fuera de la cronología de estudio de The Beatles o los otros éxitos del álbum como ''Monday Monday'' y ''The 'In' Crowd'' le dan el mínimo exigible para no convertirse en un one hit wonder.

No aguantaron mucho tiempo juntos, empezaron a montaserlo unos con otros y el grupo se vino abajo, y tampoco había mucho más talento que exprimir, pero siempre podrán decir que tuvieron su momento de inspiración.

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