¡Colabora en mi nuevo proyecto! Nueva web musical

Después de crear este blog y tras ello el foro, he decidido empezar una empresa mayor y posiblemente más rentable. Estoy a punto de terminar mi propia revista online, la cual como no podía ser de otra forma tratara sobre música.

Al contrario que el blog, donde altruistamente subo los discos de mi propia colección para compartir, en esta ocasión lo que tratare de hacer es que sea rentable para mis bolsillos. Todo aquel que quiera colaborar con el proyecto interesadamente sera bienvenido y remunerado. Para aclarar este ultimo punto, el diseño, los servidores, el dominio, etc han salido de mi dinero, así que deberé primero amortizar todo para comenzar a poder compartir las ganancias, en su mayoría de publicidad, por lo que sera importante generar contenidos cuanto antes mejor.

¿Significa esto que los que pretendan ayudar trabajaran por la cara? No, directamente cobraran en especies. Es decir, quedándose en propiedad todos los discos que le sean enviados para reseñar, o recibiendo las entradas y los pases de prensa para asistir a conciertos y festivales como miembro de la web, y posiblemente hacer alguna que otra entrevista.

Todo aquel que quiera ayudar desinteresadamente, ya sea porque simplemente quiere echar un cable, le hace gracia la idea, quiere que su nombre aparezca en internet, o me quiere agradecer estos meses de subidas de discos sera igual de bienvenido.

¿Que estoy buscando? Cualquier cosa. Ilustradores, diseñadores, redactores, correctores, traductores, fotógrafos, músicos, etc. Si estas interesado en participar de cualquiera de las maneras ponte en contacto conmigo en vanishingpointmedia@gmail.com o deja un comentario aquí y yo intentare localizarte.

La revista debe moverse en otro ámbito más dinámico que el blog, asi que en su mayoría trataremos novedades y noticias, pero siempre habrá hueco para reediciones, artículos, listas, etc. Cualquier idea que tengas y quieras publicar tiene su lugar.

Por ultimo decir, que este proyecto sigue adelante, 45yomusic no se quedara estancando, y seguiré con mi interminable viaje de estos 45 últimos años de música. Puede que el ritmo sea algo más intermitente todavía, pero bueno, creo que merecerá la pena. Os dejo un enlace a la web, todavía en estado de beta y sin casi nada definitivo, pero para que os hagáis una idea de por donde van a ir los tiros. Un saludo a todos, os espero.

http://www.vanishingpoint.es

Aretha Franklin - Lady Soul (1968)

 

DESCARGA

Dicen que el problema es que no eran composiciones suyas. Dicen que el problema es que I Never Loved a Man the Way I Love You era mejor disco. Dicen que el problema es que Aretha Franklin solo pensaba en llenar el disco de éxitos. Yo digo, ¿cuando estas cosas se convirtieron en un inconveniente?

La dama del soul regala aquí la que posiblemente sea su mejor interpretación vocal, un repaso a lo más profundo que una voz negra podía ofrecer. Con ''Chain of Fools'' y su acercamiento al R&B encontramos unos inspirados coros y a una Aretha pletórica en una de las mejores canciones que llegó a grabar.

Los éxitos, singles y pelotazos en general se van produciendo por todo el disco sin parar. La bailable ''Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)'' con una instrumentación que el propio Otis Redding firmaría sin pensar, o las verdaderas joyas de soul sureños como ''People Get Ready'' de Curtis Mayfield o ''(You Make Me Feel Like) A Natural Woman''.

A cada tema un sobresalto, no sabes si tocara disfrutar de unos coros, si sacar las caderas a pasear o preparar los pañuelos para las lagrimas. Para mi lo mejor que grabó en su dilatadisima carrera, que siendo quien es ella, no es poco y sí algo muy a tener en cuenta.

Durante la etapa que comprende la recta final de los sesenta cada disco suyo era una pequeña joya, pero este siempre ha tenido algo de especial. Siempre ha sido el verdadero alma de la reina.

Puntuación

Big Brother & The Holding Company - Cheap Thrills (1968)

DESCARGA

 

Pese a que toda la banda eran grandes músicos, lo que de verdad llamaba la atención era esa loca de pelo descuidado y voz descuajaringada por mil tragos. El eclipse sobre el grupo que se producía cada vez que Janis Joplin abría la boca era demasiado evidente como para ocultarlo. Asi que para este segundo disco se hizo lo más evidente, darle todo el protagonismo.

Su registro, perfecto para el blues y el soul, chocaba un poco con las ideas de acid y rock psicodelico que la banda perpetraba, sobre todo en unos directos que eran puro salvajismo. Una vez más el lugar común era San Francisco, y este disco una perfecta muestra de lo que eran capaces de lograr. El festival de Monterey Pop habia sido testigo poco antes de ello.

Con la enésima versión de ''Summertime'' o los nueve minutos de ''Ball and Chain'' se ve el recorrido, del blues, del sentimiento y de la energía que desprendían. Una época esta muy dada a estos falsos directos, donde los grupos que eran bestias de escenario no eran capaces de soportar los grilletes de un estudio.

Dos clásicos del repertorio de la banda como "Combination of the Two" y el segundo corte ''I Need a Man to Love" demostraban la habilidad en la composición de Joplin y sus compañeros. El disco fue un éxito total, y la banda recibió todos los reconocimientos que otros no podían ni soñar. En cierto modo fue el principio del fin.

Poco a poco las discrepancias fueron mayores, y nunca se sabrá si fueron las envidias o la incompatibilidad musical, pero la buena de Janis decidió abandonar el nido y volar en solitario. La huella que dejo el disco es solo el reflejo de una voz que había nacido para el rock, una mujer única que incluso en el disco en el que era una pieza  más del engranaje acaba siendo ella el motor principal.

Puntuación

Blue Cheer - Vincebus Eruptum (1968)

DESCARGA

Como si fuese una cuenta atrás invisible, que se palpaba en el ambiente pero nadie se atrevía a comentar en voz alta, el tiempo pasaba inexorable y la pregunta seguía en el aire. ¿A quien le tocara ser el villano del rock and roll? Alguien debía comenzar la revolución tarde o temprano.

La sátira ya había llegado con Frank Zappa y sucedáneos, el frikismo y la buena música ya llevaban unidos mucho tiempo, acabar con el hippismo de manera inteligente no era lo suficiente violento. Puede que The Velvet Underground lo intentasen de una manera más densa, pero a nadie se les escapaban las melodías detrás de las violas eléctricas.

Se pedía más, se pedía un Jimi Hendrix sucio, lleno de barro, pero necesitaban que fuese mortal, no como el negro. Se buscaba el sonido de Detroit años antes, se buscaba el hard rock en su expresión mas baja, un blues que marcase los inicios del stoner y del heavy. Finalmente se les encontro en San Francisco, a tan solo 4000 km.

Blue Cheer tuvieron que ser los malos de la película, coger ''Summertime Blues'' de Eddie Cochran y hacerle un lavado de cara  a base de distorsiones, pedales, baterías apocalípticas y riffs de guitarra. Estan grupos de pre, grupos de proto, y luego Blue Cheer. Más que visionarios, temerarios. 

Amplificadores destrozados, melodías desérticas, como si el blues hubiese nacido en medio de Arizona, gritos al vacío en ''Out Of Focus'' sabiendo que nadie les iba a escuchar, y que el que lo hiciese se taparía los oídos. Rellenar con solos de guitarra, las carencias son para los fracasados.

Todo esto y más se encuentra en el debut de Blue Cheer, un álbum que alguien debía sacar alguna vez, pero que nadie se atrevía ni a plantearse. Seis cortes que podían ser doce, o simplemente tres. Que mas da, nadie estaba ahí para hacer historia, solo ruido.

Puntuación

The Byrds - Sweetheart of the Rodeo (1968)

DESCARGA

Las formaciones en The Byrds no eran precisamente las más duraderas de la historia del rock. Tan pronto se cambiaban dos o tres miembros, el grupo daba un giro de 180º y se reinventaba a si miso. Pioneros de la psicodelia en su momento, y con discos de rock y folk llenos de versiones de Bob Dylan, el eclecticismo de su discografía estaba ya más que demostrado.

En esta ocasión no fue la marcha de Gene Clark y el despido de David Crosby (bueno, al menos no de manera directa, aunque sí indirecta) la que marcó el devenir de la banda, sino más bien el fichaje estrella de su nuevo guitarrista y pianista, Gram Parsons.

La idea que Parsons traía en al cabeza revolucionaria para siempre el country. Aunque previamente a él, su idolatrado Dylan ya había arriesgado (como si esta palabra estuviera en su vocabulario) con la mezcla de country y rock, el verdadero exito tanto comercial como de critica y los primeros usos de la etiqueta se verían eternamente ligados a este disco. Incluso más tarde con The Flying Burrito Brothers su papel seria igual de importante a la hora de sentar los cimientos del genero.

Su llegada e influencia fue máxima y una vez más The Byrds se amoldan al nuevo concepto y sacan un grandioso disco. En una orgía de banjos, mandolinas, y pedal steel guitar (posiblemente uno de los instrumentos más cojonudos de la historia junto al cencerro y la armónica) se repasan versiones de Dylan como "You Ain't Goin' Nowhere" o clásicos tradicionales como ''I Am a Pilgrim''.

Las letras, hablando de dios, prismas tradicionales, vida de campo y hillbilly y bluegrass derramado por todos lados, hacen del disco una experiencia bastante blanda a oídos experimentados. Maravillosas todas las canciones, pero inocentes como ellas solas. Revolucionaras sí, pero con un sabor tan tan autentico a raíces que hace muy difícil su degustación sin sombrero de cowboy.

Desde el titulo del disco a la portada, que a mi juicio son ambos posiblemente de los mejores de toda la década, se puede ver que el contenido del álbum no esconde nada. Solo belleza e inspiración, nada más. O nada menos.

Puntuación

Johnny Cash - At Folsom Prison (1968)

DESCARGA

He asesinado. Maté a un tipo con mis propias manos. Las puse alrededor de su cuello y apreté hasta que sus ojos se pusieron blancos. Si me había hecho algo o no para merecer ese castigo me daba igual. Era la ira y la frustración lo que me movía, alguien debía pagar. Voy ya a por mi quinto año de reclusión. Me quedan otros quince. No importa, hoy es el día más feliz en mucho tiempo.

No veo a mi mujer en todo este tiempo, y con ella a ninguno de mis cuatro hijos. ¿Qué pensaran de su padre? ¿Me odiaran? Eran muy pequeños. Es posible que mi señora se lo haya ocultado todo. No teníamos ni para comer, de alguna manera tenia que alimentar esas bocas. Yo se que el buen señor me perdonara. Todos los días le rezo, por el y por todos los hermanos en la misma situación que yo. Pero todo eso no importa ahora, hoy es el día más feliz en mucho tiempo.

No he podido ponerme un traje demasiado elegante. Ni tan siquiera he podido ponerme un traje. Nervioso como si fuese una cita con la mujer más bella del mundo. Como si me jugase mi vida a un todo o nada. Las manos me sudan. He tenido muchísima suerte con la invitación, estoy deseando que llegue el momento. Llevo toda la semana comiéndome las uñas y sin poder pegar ojo. Ahora eso ya no importa, hoy es el día más feliz en mucho tiempo.

Los apestados de la sociedad no lo tenemos tan fácil, mi vida fuera no era tan distinta. Antes incluso comía menos y dormía con más frío. Antes robaba piezas de automóviles, ahora he aprendido a arreglarlos. Puede que Dios haya intervenido para que todo esto me haga merecedor de la vida que se me ha regalado. Supongo que despues de todo gracias, hoy es el día más feliz en mucho tiempo.

Hoy es el día más feliz en mucho tiempo, porque Johnny Cash viene a tocar a mi prisión. Y ahí estaré yo. En primera fila. Disfrutando.

Puntuación

Dr. John - Gris-Gris (1968)

DESCARGA

Dr. John, iniciado en el rock y el jazz en su ciudad natal, Nueva Orleans, convirtió también la psicodelia de la parte final de los años 60 en otra seña de identidad más de su blues. Con aire de ritual africano y de voodoo, pero a su vez con esencias del R&B y del jazz negro de la ciudad, Dr. John nos arrastra en su viaje a través de las orillas del Missisipi, donde las tortuosas ramas cargadas de líquenes de los robles centenarios conforman un ambiente fantasmal.

La idea era un LP conceptual sobre la figura del Dr. John Creaux, sacerdote vudú de New Orleans, la ciudad natal de Rebennack, aunando el crisol de sonidos que habitaban en esa ciudad sureña, desde blues o jazz hasta los de las ceremonias de los esclavos.

No olvidemos que en esta ciudad colonial es probablemente donde mayor mezcla cultural hay de todo el país, con una síntesis de culturas europea (especialmente francesa), africana y la propia americana, destacando su famoso carnaval, el Mardigras, su clima cálido y extremadamente húmedo, el río Mississipi, el Dixie Jazz o los desfiles de las bandas callejeras. A través de todo ello viaja este disco.

Todas y cada una de las canciones suenan tribales, asfixiantes, pantanosas y contienen una visible etiqueta en la que pone ''cuidado, no escuchar después de medianoche''. Un riesgo enorme para un disco debut, pero que ha quedado como una pequeña joya, un oasis del blues, un blanco demostrando todas sus raices de una manera casi enfermiza.

La propia figura del Dr. John, ataviado con sus plumas y su folclore, no hace más que añadir tensión y muchas veces pareces escuchar una banda sonora que un álbum al uso. Una autentica rareza, que ni él ni nadie podría volver a repetir, un viaje tanto lisergico como espiritual hasta lo más profundo del ser humano y su unión con la música.

Puntuación

Frank Zappa - We're Only in It for the Money (1968)

La cima creativa de The Mothers of Invention es sin duda alguna este disco, posiblemente el más aclamado y más trabajado de todos. Un Frank Zappa en estado de gracia. Comparado muchas veces erróneamente con el Sgt. Pepper de The Beatles en cuanto a musicalidad y punto álgido de ambas bandas, sí que es verdad que comparte otros muchos puntos con el disco de los de Liverpool, como el trabajo intensivo en agotadoras sesiones de grabación, un cuidado con la ingeniería de sonido al limite de lo paranoico y como no, la famosa portada interior mofándose de la de los ingleses.

Aquí se encuentra toda la esencia Zappa junta. Hablamos de innovación, parodia, concepto, frikismo, complejidad, disparates y demás. Para mi gusto, incluso demasiado arriesgado en cuanto a concepto. Su valor y su valentía no se le supone, esta totalmente reconocida, pero creo que se tiende a levantar demasiado polvo sobre su visión del progresivo y no se es totalmente consciente de los aspectos musicales.

Al contrario que en sus dos primeros discos, donde las majaderías y los temas de estructuras más clásicas se iban alternando, siendo estos primeros bastante más fumables que aquí, en este álbum ambas cosas ya están totalmente fusionadas, quitando un poco esa sensación de montaña rusa, pero obligando ahora a comulgar desde el minuto uno con la locura reinante. Una tema fabuloso que no acaba de engancharte por que la letra son gritos y ruidos, Eric Clapton cortando el rollo mientras hace preguntas en bucle, riffs y solos escondidos entre postproducción e inventos de estudio, etc.

Supongo que en el universo Zappa, donde la sátira es el pan nuestro de cada día, este dadaísmo es aplaudido por todos, pero a veces cuesta mucho entrar en el juego. La verdad que cuando la evidencia es tan clara, es imposible apartar la cara (en este caso los oídos) y no pensar en el álbum como otra victoria del bigotudo sobre el hippismo y las pobres mentes mortales que disfrutan simplemente de estribillos pegadizos.

Para mi es su propia discografía la dictamina la linea separatoria, los que adoren al Frank marciano y sus experimentos, caerá rendido ante semejante obra, pero aquel que busque al Zappa músico, al obseso de las partituras y la perfección, puede que hasta la llegada de Hot Rats no encuentre el estimulo necesario para disfrutar de We're Only in It for the Money en su plenitud.

Puntuación

Silver Apples - Silver Apples (1968)

El acercamiento definitivo entre los flirteos con instrumentos electrónicos de algunos compositores de vanguardia y la psicodelia, que llenaba el globo terráqueo musical en aquel momento, no se haría esperar mucho más. Desde la música noise e industrial de Luigi Russolo en 1910, hasta Raymond Scott mucho se había experimentado, pero pocas veces en la misma clave de rock que Silver Apples.

Con una estructura similar a lo que una banda 'clásica' podría ofrecer, el duo formado por Simeon y Danny Taylor (el duo, un tipo de formación que se repetirá infinitas veces a lo largo de la historia de la electrónica) hace una revisión a base de loops de batería y sintetizadores, que es la muestra más ácida posible de esa especie de rock espacial que dominaba algunas mentes como las de Syd Barret o a los miembros de The United States of America.

La mayor traba hasta entonces, es que posiblemente se creía en el concepto pero no en el resultado. Silver Apples llevaron la idea a otro nivel, donde no se basaba en hacer rock sin instrumentos clásicos del rock, sino en hacer música sin instrumentos al uso. Ese pequeño matiz es el que les llevo a poder llegar un poco más lejos que el resto. Una visión de la música electrónica como genero nuevo, y no como un apartado especialmente raro del rock.

En ciertos momentos minimalistas, la música que crearon en 1968 cumple casi todos los clichés que han perdurado. Bases repetitivas, cambios drásticos de ritmo y una ausencia total de estructuras pop,  aunque los lineas de voz están inevitablemente ligadas a la época. Su absoluto desprecio por lo establecido se traslada a un proto-kraut que deja los pilares básicos bastante bien dibujados.

En cuanto a las listas de canciones, que entre todas suman poco más de media hora, encontramos cosas como ''Oscillations'' o ''Dancing Gods'', canciones increíblemente primitivas en concepto e instrumentación, sonando casi tribales. El trabajo de abstracción absoluto para crear lo más básico con lo más avanzado es tremendo, demostrando ser un grupo no solo muy adelantado a la época, sino fuera de cualquier corriente.

El abuso (y disfrute) de drogas y su ascendencia norteamericana les deja una herencia difícil de despegar, así que ''Dust'' o ''Program'' y ese truco tan manido de sintonizar frecuencias, tienen el típico sabor USA cuando se ponían a experimentar, osea, hacer ruido. Ademas ''Whirly-Bird'' cuenta con una de las reglas no escritas del rock pero que cualquiera debe saber en la vida: 'Si una canción tiene un cencerro como instrumento, es un buen tema seguro''.

Un autentico objeto de culto, uno de esos discos que establecen nuevas reglas y que todo aquel que oye montaba un grupo. Pioneros y maestros es una combinación que pocas veces se cumple, pero que cuando se da más os vale tener cerca un sitio donde sentaros. El momento idóneo en el lugar idóneo, un golpe en la mesa gracias a uno de suerte.

Puntuación

Soft Machine - The Soft Machine (1968)

Con varios de los padres del llamado rock progresivo dando a luz sus óperas primas, se podría decir que este año fue el comienzo del genero. Uno de los movimientos más interesantes, en cuanto a nivel de revolución pero sobre todo de calidad, fue la llamada 'escena de Canterbury', y con el debut de Soft Machine se puso todo en marcha.

Lo que marcaba a las bandas englobadas en este movimiento, ademas de evidentemente la localización geográfica, era un gusto bastante marcado por el jazz, que aunque en mayor o menor medida siempre ha estado presente en el rock progresivo, sí que en estos grupos era bastante más claro de lo habitual. Podría empezar a hablarse ya de una fusión casi total entre rock y jazz, aunque de una manera todavía superficial.

Las drogas, y sobre todo los últimos coletazos de las revoluciones sociales y la contracultura (sin ir más lejos el nombre de la banda viene de la famosa novela de William Burroughs, una de mis favoritas) propiciaban este tipo de acercamientos. La psicodelia seguía muy marcada, y se podían notar perfectamente que todos bebían de una manera u otra de Pink Floyd, que tras su debut espacial dejo un poso imborrable en casi todos los grupos británicos.

Las composiciones de Kevin Ayers con sus cuerdas y su voz son increíbles, y la parte más rock del álbum, por ejemplo la pequeña 'suite' que conforman las dos piezas de ''Hope For Happiness'' y ''Joy Of A Toy'' que abren el disco. Por su parte Robert Wyatt (que más tarde, tristemente, se caería por una ventana y acabaría en una silla de ruedas diciendo adiós para siempre a su bateria) representaba ese toque 'Canterbury', sus ritmos de jazz, ademas de su voz, se convertirían en un sello de calidad en toda su carrera, mostrando sus habilidades en algunas instrumentales como ''Priscilla'' o ''Plus Belle Qu'une Poubelle''.
 
El conjunto final es un disco tremendamente bien estructurado, con todas las canciones entrelazadas a las mil maravillas y que no se resiente ni un segundo como una obra completa en su conjunto. Ademas de ello todas las pistas son de una calidad altísima, aunque que nadie espere singles o canciones sueltas para pasar días enteros reproduciendolas. Aquí el todo prima por encima de la parte y el resultado es genial, ademas de bastante ruidoso, lo cual es siempre un punto a favor.

Este tipo de escenas localizadas por poblaciones suelen darse mucho durante la historia del rock, pero no por comunes resultan menos impresionantes. Casi todo publicado por esta gente tiene un nivel altísimo y todas las bandas que se formaron tanto a su alrededor, como la de sus propios miembros en otros proyectos, merecen mucho la pena. Había talento de sobra y con este álbum empezaron a demostrarlo.

Puntuación